A Casa do Pai, única produción galega no festival ¡Mira al Sur!

Este festival está enmarcado dentro do proxecto Mira!, unha iniciativa que naceu no 2001 para reforzar a cooperación entre artistas e promotores culturais de Francia e España, extendéndose máis tarde a Portugal.

Nesta edición participan trinta e sete compañías de dezaseis países distintos. ‘A Casa do Pai’, única montaxe galega na oferta do festival, é unha coprodución entre as compañías Teatro do Noroeste, Noescafé Teatro e Cámara Negra. Escrita e dirixida por Carlos Álvarez-Ossorio e interpretado por el mesmo xunto ás actrices galegas Luma Gómez e Lola Correa ‘A Casa do Pai’ estreouse o 20 de Outubro de 2005 en Ferrol.

Esta ceremonia escénica para tres actores, con público situado ó mesmo nivel destes amósanos a cara menos amable do ser humano. Un rito cruel, descarnado e grotesco no que se mestura o tráxico co cómico para facernos ver a imposibilidade de esperanza nun mundo no que o estranxeiro non ten lugar.  As funcións serán o martes 28 e o mércores 29 de Marzo na Sala La Imperdible de Sevilla.

A Casa do Pai

Tres compañías de sólida trayectoria teatral (Teatro do Noroeste de Santiago de Compostela, Noescafé Teatro de Vigo y Cámara Negra de Sevilla) se unen, en colaboración también con el ALT de Vigo (Festival Alternativo de Teatro y Danza), para coproducir este rito cruel, descarnado y grotesco, este oratorio que entremezcla lo cómico y lo trágico para mostrarnos la imposibilidad de la esperanza en un mundo cruel y despiadado, donde el extranjero no tiene lugar, y donde la miseria lleva, inevitablemente, a la ceguera y a los instintos más primarios de supervivencia.

Partiendo de la misma anécdota periodística que inspirara también a Camus para escribir “El malentendido” (dos mujeres alquilan un cuarto en su casa para robar y asesinar a los que se quedan en él), pero siguiendo un camino radicalmente diferente, “A casa do pai” nos adentra en el mundo de la miseria, desde el punto de vista de la identidad. Una miseria que no es sólo económica, sino también moral, y que lleva (junto al miedo y a la amnesia) a ver en el otro al enemigo, a la víctima. El otro es el diferente, el extranjero, el inmigrante, el judío, el que no tiene lugar, abocado a ser destruido, a ser usado para nuestro propio beneficio, a servir a los intereses de los de dentro, cegados por una necesidad fortísima por sobrevivir. El hambre, la avaricia, la rutina cotidiana... vuelven al hombre un ser ruin. Cualquier esperanza parece inútil, absurda, ingenua. Cualquier acercamiento hacia el desconocido es estéril. Aun cuando ese acercamiento nos mostraría que el otro al que espoliamos, el otro al que torturamos, al que matamos es, en realidad, nuestro hermano, nuestro hijo...

Esta propuesta se desarrolla en un mundo en el que, bajo la supuesta hospitalidad y el refugio, se esconde la rapiña, la tortura, el pillaje... A través de una intriga que se articula de forma ritual, en un ambiente de absoluta pobreza moral y económica, se nos muestra, de forma cruel y descarnada, un mundo dominado por la apatía y por el hambre, una miseria sórdida, egoísta y despiadada, de la que “el diferente” será víctima propiciatoria. Una víctima que, a modo de fantasma, visita continuamente a sus verdugos, día tras día, noche tras noche... Pero sus verdugos parecen no ser capaces de reconocerla. Esa amnesia provoca que todo sea siempre igual, pero siempre nuevo. No hay remordimiento, no hay pasión. Tan sólo rutina. El hambre, como motor de los instintos más primarios, nos despoja de cualquier resto humano: ni bondad ni maldad. Apatía. La rutina insensibiliza, deshumaniza... Convierte el crimen en costumbre.

Integrantes de las tres compañías que coproducen este espectáculo se juntan por primera vez en este proyecto para crear un grupo de trabajo muy diverso y rico, con experiencias teatrales y vitales muy diferentes (desde la veteranía de Luma Gómez, hasta la trayectoria más alternativa de Lola Correa). Carlos Alvarez-Ossorio (autor que se impuso en los premios Telón Chivas 2004 al mejor autor veterano frente a Fernando Arrabal y Antonio Gala por la dramaturgia de su espectáculo “Apuntes para un hamlet”) construye un texto abierto, cargado de simbolismo, que remite a autores contemporáneos como Beckett, Arrabal o Camus, pero también a la tragedia griega y al auto sacramental, pasando por el teatro grotesco de Valle-Inclán (con su dura visión de la miseria sin concesiones). Un texto que no es más que el material base sobre el que construir el trabajo actoral, auténtico cimiento de esta puesta en escena. Un trabajo que, a través de las improvisaciones y propuestas que surgen en el proceso de ensayos, enriquecen el texto y lo van formando y transformando, para poder ahondar más en la problemática que queremos abordar.

Un elemento fundamental en nuestra propuesta es el espacio escénico. Se trata de un espacio ritual y claustrofóbico, en el que el público rodea a los actores a su mismo nivel, en teatro arena, propiciando la cercanía y la implicación con una acción continuamente repetitiva y cruel. Dicho espacio (muy influido por Kantor y Grotowski) está conformado por elementos cotidianos del campo gallego... Es decir, surgen de la tierra, de una realidad social muy concreta, llenos de vida y de historia... Pero su uso va más allá de la mera trasposición realista de los mismos al escenario. Nuestra propuesta es totalmente contemporánea, y en ella los elementos cotidianos se ritualizan y se hacen teatrales en su uso escénico.

Este espacio (que reivindica que el teatro no debe ser forzosamente a la italiana, sino que cada espectáculo debe encontrar su propia forma espacial de relacionarse con el espectador), no precisa un lugar necesariamente teatral (aunque sí un interior con condiciones de oscuridad y silencio aceptables). La relación del espectáculo con espacios singulares que posean personalidad propia (iglesias, naves, graneros, pabellones... y también, por supuesto, teatros) enriquece el espectáculo y crea nuevas relaciones con el espectador. Cada espacio aporta algo diferente. Así la arquitectura de cada lugar, su acústica, su luz... se convierten en elementos fundamentales para la recepción del espectáculo por parte del espectador.
Teatro do Noroeste, S.L. es una compañía de teatro gallega, concertada con el IGAEM. Tanto las producciones, como las coproducciones y sobre todo las campañas teatrales (como, entre otras, la realizada bajo el nombre “O teatro como feito educativo”, una de las más complejas, importantes y modélicas campañas que una compañía teatral haya realizado en nuestro país) organizadas por Teatro do Noroeste, S.L., a lo largo de dieciocho años de actividad ininterrumpida, son una experiencia que avala la total capacidad artística y organizativa de esta compañía.

Teatro do Noroeste, S.L. es una compañía con una dilatada trayectoria que realiza una constante aproximación al hecho cultural gallego, dedicándose a la creación de obras exclusivamente en idioma gallego, sin límites geográficos, y con tres objetivos generales básicos: despertar un público de base o afición teatral, contribuir a la recuperación del Patrimonio Cultural del Teatro Gallego, y apostar por los nuevos autores contemporáneos gallegos en la búsqueda de una dramaturgia actual propia.

Aunque integrada por profesionales con una dilatada experiencia teatral, Producciones do Noroeste, S.A. comienza su andadura con la citada denominación en el año 1987, cambiando en 1991 a la denominación jurídica Teatro do Noroeste, S.L. Sus espectáculos (que incluyen tanto textos clásicos, como Medea, Rei Lear, Galileo Galilei, Macbeth... como textos originales de nuevos autores, como Manuel Rivas, Antonio Simón, María Xosé Queizán, Antón de Santiago, Chichi Campos, Manuel Guede, Lino Braxe, Candido Pazó, y, sobre todo, Eduardo Alonso), han viajado por los circuitos habituales de Galicia, además de por diversos festivales de toda esta comunidad autónoma, siempre con gran éxito de público, y por todo el territorio español (en Circuitos Teatrales como los de Aragón, Castilla-León y Castilla-La Mancha, y Ferias como la de Huesca).
Cámara Negra es una compañía fundada en 1995 por su director Carlos Alvarez-Ossorio. Desde su fundación, sus montajes han viajado a lo largo de todo el territorio español, además de actuar en Cuba y Alemania, habiendo recibido por su trabajo numerosos premios en muestras y festivales.

La crítica ha destacado de Cámara Negra su "experimentación y austeridad" (Diario de Sevilla), que "lleva sus propuestas hasta el límite" (ABC de Sevilla), “que apuesta por la investigación sin concesiones" (BoleTiNT), que "remueve entrañas" (Revista Época), y que sus actores realizan "actuaciones al borde del límite" (El Correo de Andalucía). Se la ha definido como "arte del bueno" (Adelante. Cuba) que “sacude los sentidos” (mundoteatro.com), y donde "todo significa, pancomunica, porque lo que deja de estar comunica por no estar, y lo que deja de hablar comunica por no hablar" (www.lateatral.com). Se ha hablado de su "visceralidad" (El País) y de su capacidad para realizar "una ceremonia escénica de gran impacto visual en el público" (La Razon).

Cámara Negra entiende el teatro como un lugar de encuentro, donde se realiza una ceremonia para la que tan sólo basta un actor y un espectador. Todo lo demás es superfluo y accesorio. El teatro como un medio que debe ser siempre transgresor, y enfrentarnos así a nuestros miedos y nuestros tabúes. Que nadie quede indiferente. Todo debe ser auténtico, honesto y límite. No hay lugar para lo tibio, lo descafeinado, lo mediocre. El compromiso del actor debe ser total. El teatro como un lugar donde se generan preguntas, no donde se responden. Un lugar donde se abren puertas, no donde se acotan caminos. El teatro como un lugar de mestizaje, donde tiene cabida todo lo que nos ayude a entender al ser humano ahora y siempre, tanto lo clásico como la vanguardista, el rito y la performance... El teatro como un lugar de experimentación, de investigación, de búsqueda continua...

En el año 2000 nace la idea de un nuevo grupo y una forma distinta de hacer teatro por estos “lares”. Dos actores, L. Correa y J. Pando (que en el 2002 abandonaría el proyecto Noescafé) provenientes del cabaret, deciden por su cuenta y riesgo crear su propia Cía y la bautizan con el sugerente apelativo de Noescafé-teatro queriendo definir el nuevo espectáculo de bares que estaban gestando.

Desde ese momento, Noescafé ha pasado de una mezcla del stand-up y café-teatro (rompiendo moldes y recorriendo los lugares más y menos reconditos de la geografía gallega, haciendo llegar el teatro de pequeño formato a todo tipo de público, incluso a aquel que nunca ha ido al teatro), hasta crecer y crear espectáculos más arriesgados y provocadores, donde, por ejemplo, han tratado el duro mundo del teatro (poniendo en tela de juicio la vocación, el egocentrismo, la prostitución teatral… creando un mundillo perverso y violento) o se han adentrado en un teatro político-musico-social (sin perder la perversidad que tanto les gusta)

Es filosofía primordial de la compañía el hacer llegar la cultura teatral a todos los rincones y a todos los públicos. Sin divismos ni estrellas, hacer noble este trabajo que no es mejor ni peor que otros sino uno más. Para difundir el teatro alternativo (distinto o con otro punto de vista que el comercial) Noescafé presentó en su día un proyecto al ayuntamiento para organizar un Festival que llamaron “Vigo, a outra alternativa” y que sigue organizando en la actualidad. Noescafé organiza también talleres y trata de que el grupo se “nutra” de la cantera de esos talleres. La preparación integral es una de sus premisas y para ello no dudan en tomar clases de canto, danza o encaje de bolillos si es necesario. Después lo descuartizan todo e investigan otras formas de plantearlo ante el público. Un teatro prostituido y vendido a los mafiosos que quieren controlarlo todo no sirve. El teatro debe ser libre. “La fama es la gloria en calderilla” (V. Hugo)